判断题 二行题是由主题和一个辅题构成，可以是引题和卡题，也可以是主题和副题。而三行题是兼有引题、主题和副题。制作二行题和三行题首先要把主题拟好，要在主题中突出最重要的新闻点。制作引题时，要注意能引出新闻的主题，为主题提供一个背景。制作副题时要提取对主题进行补充和解释的内容，交代次要的事实。三种标题的功能要各司其职，不能主次颠倒。

判断题 研究方法分为哪些？各自的优缺点:总体来讲，传播学的研究方法常常习惯性分为定性和定量研究两种，但事实上在传播学发展过程中发现这种分法过于简单和粗略，在实际操作中一些研究方法是有交叉的。目前比较公认的研究方法主要包括：调查研究法、内容分析法、控制实验法、个案研究法四个维度。（1）调查研究法①调查研究法是应用客观的态度和科学的方法，对某种社会现象，在确定的范围内进行实地考察，并收集大量资料以统计分析，得出结论的研究方法。分为全面普查和抽样调查。②调查研究法的步骤a.确定调查的总体范围与样本个数。b.制定抽样方案。c.实地访问，包括：第一，结构性访问，即设计调查问卷；第二，主题性访问，即按事先设计好的大纲进行现场访问。d.整理分析调查结果。③调查研究法的优缺点a.优点：本方法基本不受人为控制因素影响，较客观、全面准确。b.缺点：对实际对象的相关性概括不佳。（2）内容分析法①内容分析是文献研究的一种类型，是对印刷文字、影片、广播、电视等传播媒介中显性内容进行客观、系统和定量描述的一项研究技术。一般分两个层次，说什么（传播内容）与怎么说（传播形式）。其特点包括：客观性；系统性；定量性；显性内容。②内容分析法的步骤a.提出研究假设，确定研究范围。b.制定分类表，确定分析单元，严格界定分类标准。c.将讯息内容按分类表的分类方式编码归类，计算各种类别所占比例，各种分析单元所占频数。d.验证假设，得出结论。③内容分析法的优缺点a.优点：本方法可描述传播内容的倾向，说明信息来源特征，分析文本，说明读者对信息的意见，描述传播模式。b.缺点：分析对象有时并不能代表总体情况，研究者主观因素影响分类表的科学性。（3）控制实验法①控制实验法是根据一定的目的，人为地设计一个特定的、非自然状态的环境，在研究者控制下进行测验的方法。②控制实验法的步骤包括：a.提出实验课题；b.选定实验对象；c.制作信息测试材料；d.测试实验；e.提出实验报告。③控制实验法的优缺点a.优点：本方法优势在于可控制，本身逻辑性强。b.缺点：人为因素强，结论必有误差。（4）个案研究法①个案研究法源自心理学，用于检验某一对象的多方面特征。研究某一特定对象或案例在一定时期内的全面情况，传播学中应用不是很多。怀特首次用本方法对“把关人”进行实际研究。个案研究一般没有事先的研究假设，结果都从案例研究中得出，也不证实假设，其价值在于深入全面地占有研究对象的资料，可以提供许多材料与见解，供其他研究作基础使用，由后续研究得出一般结论。个案研究法就是检测某一对象的多方面特征的研究方法。②在传播学研究中的应用多用于检查某个传播者（如新闻编辑部、报社、特稿社、电台、广告公司等）多方面的特性，或者了解研究者所感兴趣的某一特定案例在一个时期内的全面情况。③个案研究法的优缺点a.优点：深入了解某些特性达到实验要求。b.缺点：个体因素影响较大，不具有总体性。

判断题 为了使新闻报道更具说服力，可以对数据进行造假。（）

判断题 古代新闻传播活动及新闻传播工具的演变:(古代社会新闻年传播发展缓慢,起决定作用的是经济条件)第一、新闻传播工具的演进在一定程度上反映出人类文明的发展。原始社会主要以嘴巴作为传递工具;到了奴隶社会,已经形成了口头、文字、信号三者并存的新闻传播媒介。同时新闻活动要依赖于交通、通讯工具和其他的物质手段。第二、主要有以下几种传播方式:1)口头新闻。特点:简便、具有广泛的群众性;缺点:新闻保真性差、传递速度慢、覆盖面窄。2)信号媒介。最大的好处是迅速,但传递复杂的信号比较困难,一般只用来传递简单的信息。3)书信媒介:远距离传递信息;印刷媒介:古代主要指邸报;其他传播方法:露布、牌报、旗报、悬书、揭贴

判断题 中国融合新闻教育改革与思考融合媒体新闻生产改革首先是从西方开始的，美国媒体成为“超级记者”“背包记者”等新生事物的率先尝试者。2012年3月29日美国政府宣布投资2亿美元启动《大数据研究和发展计划》，希望增强收集海量数据、集中提取知识和观点的能力，加快在科学与工程中的步伐，加强国家安全，并着手改变教学研究，开始在大学培养新一代的“数据科学家”.数据分析也成为美国最热门的职业领域之一。随着数字化技术的发展、各种新式互联网络的普及，以及大数据时代的来临，中国媒体融合化步伐在不断加快，新闻工作者切实地感受到媒体融合和大数据的压力和挑战。过去，不论是纸质媒介的记者，还是广播电视的记者，通常只要提交一种新闻文本，现在越来越多的媒介要求记者以文字、照片、音频、视频等形式提交新闻文本，甚至还鼓励通过博客、微博、微信等方式发布新闻/一些媒体和记者为媒介融合和新技术带来的种种可能而欢欣鼓舞，另一些媒体和记者则更多地感到惶恐不安、力不从心、不知所措。同样的情形也发生在中国新闻传播教育界，尽管新闻媒体对于全媒体、复合型新闻人才的需求在不断增加，但大学新闻传播学院并非都在积极回应，有的甚至还认为大学新闻教育应该同新闻行业实践保持一定的间隔和距离，否则大学就会沦为培养工匠的作坊。面对媒介融合的总体趋势和日益复杂的媒介环境。中国高校新闻传播院系必须思考如何更新思想观念、优化师资队伍、改变或重组现有的课程设置，以适应融合媒体时代对新闻人才的培养需求。一、创新升级教学理念融合新闻生产背景下的新闻传播教育改革首先需要面对的是教学理念的创新与升级。在很长时间内，我国的“普通高等学校本科专业目录”中“新闻传播学类”的本科专业一直是“新闻学”“广播电视新闻学”“广告学”“编辑出版学”四个专业，已经不能适应当下融合媒体人才的培养需要。因此，教育理念的提升和新专业方向的设立势在必行。以中国人民大学新闻学院为例，该校早在2000年就曾经开设了“网络新闻”方向，并招收了两届学生，之后又于2007年在“新闻学”专业中增设“数字新闻传播方向”，“立足于新媒体与传统媒体融合发展的客观变化，整合全院的教育资源来重新规划设计的新专业方向，其目标是造就一批适应新媒体以及实现数字转型的传统媒体需要的新型新闻人才”。除了中国人民大学新闻学院，复旦大学新闻学院也开设了“网络传播方向”，试图将网络和新媒体技术作为一种通用技术融人传统新闻学的课程教育当中去。华中科技大学则设立了“传播学”（网络传播与新媒体）本科专业方向，其专业最大特色就是“理科招生文科出口、厚基础宽口径、文理交叉、强调应用训练”，并以“网站策划设计”“网站营运”“数字化信息管理”“信息化建设与应用”，以及“科技传播”为学习重点。武汉大学则设置了“新闻学（网络传播方向）”本科专业，专业体现了融合媒体背景下，“全能型”人才的培养思路，专业课程中不但设有“网站策划”“动画设计”等网络新媒体技术类课程，还包括“电视摄像”“节目编辑制作”等广播电视类的专业技术课程。教育部于2012年正式颁布了《普通高等学校本科专业目录》，在“新闻传播学类”设立了“新闻学”“广播电视学”“广告学”“传播学”“编辑出版学”五个专业，对个别专业作了调整，新增了“传播学”专业，部分顺应了互联网和新媒体时代的趋势和需求，但并未从根本上对新媒体、媒介融合、大数据等给予足够重视。当然融合新闻教学的理念创新升级不仅仅局限于专业设置方面，更应该将媒介融合渗人到这个新闻传播的教学培养当中，让教师的日常教学与学生的新闻实践都能够顺应媒介融合的发展趋势和技术特点，让学生在校期间就能够融人融合新闻的生产流程中去，形成真正符合融合新闻生产需要的教学实践平台。二、课程体系优化改革融合新闻生产教学改革除了增设专业方向以外就是课程体系的调整。国内新闻学院系往往是在传统新闻学课程的基础上，再增设融合新闻报道的相关课程。如，中国人民大学将新闻学专业中不同方向的课程打通共享，将“新闻采写”“新闻编辑”“新闻评论”“新闻摄影”等课程作为整个新闻学专业的基础性核心课程，而将“数字媒体技术应用”“多媒体信息传播”“网络新闻编辑”“网络互动管理”“移动信息传播”“新媒体管理”等课程作为基于数字与网络技术的新媒体方面的专业课程供学生选择。这种课程的优化改革就是在原有基础课程之上再增设融合媒体相关课程，这样既可以利用学院原有的资源优势，又可以丰富学生的课程选择，达到融合媒体背景下“全能型”人才的培养目标。华中科技大学在课程设计上则更倾向专业的网络技术，将“C语言高级程序设计”“JAVA程序设计”“数据库技术及应用”“计算机与网络硬件”等都纳入网络传播和新媒体课程规划之中，其专业性不可谓不强。还有许多高校新闻与传播学院（系）选择的是增量改革的途径，即在现有课程基本不变或适当微调的情况下增加一些新媒体和媒介融合方面的课程。浙江大学的本科专业课程设计要求以先进的教育教学理念为指导，聚焦最能反映本专业人才培养质量的关键知识点，强调传统经典知识与学科发展前沿知识相结合，课堂教学与课外实践相结合，充分研究，精心设计。浙江大学传媒学院就根据要求和具体实际增设了“网络传播”“网络新闻”“媒体融合”和“计算机辅助设计”等本科课程。教师在讲授相关理论和技能的基础上，要求学生调研国内外网络传播、新闻报道和广告设计的前沿案例，最后在实验室或媒体独立完成至少一项网络新闻编辑、融合新闻报道或广告设计方面的作业。但是，融合新闻生产所需的从业者能力培养并不仅仅在于多媒体技术上的不断叠加，也包括专业领域中的知识提升。譬如，《东方早报》前首席记者简光洲就认为：“非科班出身的新闻工作者，往往在其自己专业的领域会有很好的新闻报道，但相对新闻专业出身的学生来说上手会比较慢。”①尤其是对于法律、金融、科技等一些新闻报道的专业领域，科班出身的新闻记者往往不占优势。在这种情况下，多媒体技术上的提高也解决不了知识匮乏的本质问题，需要新闻传播院系在课程设置中学习哥伦比亚大学的新闻教育经验，在跨文化、跨学科的专业报道领域中投入更多的教学力量，或者以双专业等形式来丰富和提升新闻专业学生的未来竞争力。三、整合和强化师资力量与美国那些拥有着上百年创办历史的新闻院系相比，中国的各大新闻类院系在师资力量和师资结构上尚有较大的差距。1.新闻类专业教师少由于中国新闻传播院系普遍存在发展时间较短的问题，且大多数新闻院系都是在传统文史哲学科基础上发展而来，因此师资力量往往也是以文学专业的教师为主，“原先教文学史的改教新闻传播史，教文学概论的改教新闻传播概论，教文学创作的改教新闻传播写作”®。在这种情况下，大多数新闻专业的教职人员都是“半路出家”，对于新闻行业的实际运作没有切身感受和体会，更谈不上经验，那么在教学中也就不可避免地出现空洞乏味和脱离实际的状况。2.有新闻从业经验教师少美国新闻院系普遍有任用新闻从业人员从事教职的传统，我国早期新闻传播教学历史上也有徐宝璜、邵飘萍等新闻业者直接投身新闻教育的先例。其中，徐宝璜还被誉为中国“新闻教育界第一位大师”和“新闻学界开山祖”。可见，无论在国内还是在国外，新闻传播学科作为一门应用学科，其与行业之间的紧密联系必然是学科不断焕发生机和活力的根本。然而，由于目前我国媒体企业与高校之间体制上的差异，以及相互之间考核衡量标准的区别，新闻从业者想进人新闻院系并不容易。同时，“上世纪90年代，高等教育的扩张发展，地方高等院校出于本科教学评估的压力和其他原因，在人才引进上，唯学历是从，把那些具有先进的新闻实践和管理理念、扎实的新闻业务能力和多年的从业经验的优秀人才拒之门外，使我国新闻业界和学界人才流动的传统被打破”。3.跨文化、跨学科背景教师少“媒介融合使得当代新闻传播涉及的知识领域越来越广、越来越深，仅仅靠增加新的专业方向和新的课程，已不能适应变化，只有在知识层面实行完全的学科整合，让各学科在新闻传播现象这一‘公共论域’中建立融合，使学生能对新传播现象和问题做出多学科层面的分析和综合，才能从根本上适应新闻传播领域的知识变化与知识创新的要求。”®单波、陆阳的这一提法就意味着，新闻专业的教师队伍需要有跨文化与跨学科的专业背景。但我国目前新闻学教职人员的培养方式，往往是一种从高校到高校的培养模式，也就是说，一般高校的教职人员都是从新闻传播专业的本科生一直读到新闻传播专业的博士生，最终进入一所高等院校讲授新闻传播专业方面的课程。他们或许有扎实的新闻传播学理论功底.但是往往缺乏跨文化、跨学科的知识背景，甚至也缺乏丰富的业界实践经验，因而要想实现融合新闻教育中的“宽专交”知识面，从师资上来讲变得尤为困难。因而，对于目前我国的新闻类高校而言，首先，应该大力培养新闻学专业教职人员；其次，多促进学界与业界的沟通交流，尤其是要多吸引媒体行业专才进人教师队伍；最后，应该鼓励现任教师拓展个人的专业领域.尽可能丰富自身知识储备。只有这样，才能更好地应对融合新闻教育的要求。四、融合新闻教学硬件设施建设融合新闻生产已经不再是传统意义上一支笔一张纸的新闻报道，计算机的辅助报道、互联网新闻学、新闻图片的数字化处理、视频拍摄剪辑、网站的策划设计等，都已经打破了传统新闻学单纯课堂的讲授模式。学生需要更多的实践与实验机会，将书本中的知识变成真正的技能技巧。在过去，国内大多数的新闻传播院系都是以培养纸媒应用型新闻人才为主，这也就导致了当下高校的实践实验平台还不能满足网络新媒体和数字化环境下融合新闻生产的实践需要。大力进行实验室建设，采购大量的传媒和新媒体设备，成为当下融合新闻教育改革的重要举措。浙江大学传媒学院韦路教授针对中国新闻业界与学界的实际状况指出：“一直以来，新闻传播教育，包括研究，与业界之间都存在着一定的断层。理论研究保持独立性固然无可厚非，但如果应用研究也与业界脱离就值得反思了。在新闻传播学科，高校喊产学研一体化也不是一天两天了，但事实却是说得多，做得少。常见的情况是，业界在前面尝试，学界在后面观望。业界有了成绩，或出了问题，象征性地请学界来总结一下，仅此而已。结果就是，业界觉得无关痛痒，学界感到疲于应付。双方仍然未能找到一个有效的连接点。”他认为，应该尽快改变这种局面，让高校新闻与传播教育成为新闻传播领域里的创新引擎，而不是创新的跟随者。美国北卡罗来纳大学教堂山分校新闻与大众传播学院就顺应新闻传播的最新变化，建立了一个ReeseFelts数字新闻项目，旨在通过实验研究探索新闻传播的新形式。该学院建立了一个由学生设计、开发、制作和运营的新闻网站(reesenews.org)，然后利用这一平台试验各种不同的报道和叙事方式，通过对用户数据的实时监测和分析，测量不同方式的传播效果。一方面网站为所有相关课程提供了实践基地，另一方面网站实验研究的结果也可用于指导专业媒体的新闻实践。科罗拉多大学也建立了一个实验室——“数字媒体实验厨房”(DigitalMediaTestKitchen)，试图从新闻技术、技巧和商业模式这三个方面进行创新研究和试验。近年来，“浙江大学也利用学校投人巨资升级传媒学院实验室的契机，重点建设新媒体实验室、认知研究实验室、数字影视与文化产业实验室、电子编辑与数字出版实验室。其中，认知研究实验室配备全球最先进的眼动仪和脑电仪等神经传播研究设备，旨在利用认知科学的研究手段为新闻科技创新提供更加准确的数据支持”。虽然全国各大新闻与传播学院(系)都在大力推进新媒体和媒介融合实验室建设，但在基础设施的投人上往往又存在着重复投资、盲目堆砌、忽视自身需求、缺乏专业特色等问题。奚陆阳、王哲平两位学者就认为：“在推进媒介融合实验室建设中，不能肓目地求大求全，应立足于自身教学研究的需要，首先要增强其教学效果的体验性，满足老师在课堂上的传授内容，课后学生就能在实验室里转换成自己的成果，刺激其学习热情和实践感知。其次也要满足教师的科研需要，为教师提供足够的研究设备、研究对象和研究素材。”®在高校投人实验室建设的同时，新闻传播院系也要主动同主流新闻媒体、新媒体企业展开合作，通过合作将最先进的前沿性传播技术、实践方法、研究课题、技术人才等引人教学实践中来，为实验室的设备更新、教学课程体系的改造升级、科研工作的发展提供良好的平台条件。

判断题 新闻短评在新闻写作中，新闻短评是以短小精悍的体式对新闻事件进行评论，以指示其本质意义的一种文体。

判断题 在新闻报道中,观点可以被描述成事实呈现给受众。

判断题 数码摄影入门九法数码摄影入门之一首先要清晰什么叫清晰，这是不是一个绝对的概念，因为我们的要求不同，我们对清晰的概念也是不一样的。这里联系到3个概念，即对焦精度、景深选择和抖动。对焦精度，现在的dc都AF了没有什么可以说的，除非你要拍的主体不在相机的对焦范围里，或者现场极度昏暗，AF还是可以保证质量的。除非你有更高的要求，比如获得超焦距等等，这些是高级手法，应该在无忌里讨论这里不讨论。其次是景深，说道景深就需要给出另一个概念：弥散圆，名词解释：弥散圆：弥散圆.在焦点前后，光线不能汇聚到一个点，点的影象变成模糊的扩大的圆形光斑，这个光斑的外圈就叫做弥散圆。显然，当弥散圆的尺寸小到一定程度后，人眼将认为其是一个不可分辩的一个点。这时我们就会觉得在焦段前后一段距离里所有的像都是清晰的。这就产生了“景深”。景深内的弥散圆称为就称为容许弥散圆可见容许弥散圆的概念是一个随着人观察分辩力的变化变化的，景深是随弥散圆的可接受程度在变化。最后是抖动,说一个故事，15年前我初学摄影是在高中的兴趣小组，老师是印尼的归国华侨。那时的我根本没有兴趣听老师的理论课，仗着家境不错，就只会浪费胶片。在一段时间的拍摄后，一次少年宫有一个摄影比赛（俺那年代惨啊，这种机会是已经极难得的展示自己的机会了）黑白片子被要求必须放大到8寸以上才可以参加。在老师的放大机下，我的片子里的对焦不实和抖动被无情的放大到足够让我沮丧的的程度！这时我才知道老师说的那些“清规戒律”有多重要。对持稳相机，我现在可以达到：相对135的50mm焦距下，手持1/4秒可能在LCD上看不出抖，手持1/30放大到7寸内看不出抖，手持1/125秒放大到A3幅面肯定看不出抖。正确的手持方法是用相机的眼平取景器，这时你的左手托住相机左肘紧紧的支撑在肋部形成一个3角，右手持握把手，右肘也紧紧的支撑在肋部也是一个3角，同时2支手臂也自然形成一个3角，有点物理知识的人应该已经感受到它的稳定了。手部动作：拇指控制多功能拨盘，食指轻轻放在快门上，调匀呼吸，就像扣动枪机，做到“有意瞄准，无意击发”此时高手已经达到人机合一的境界，十步一击，一击必杀！当然，绝对不抖是不可能，即使使用捷信，至少它还有按固有频率出现的震动吧，就看大家的要求了。数码摄影入门之二准确的曝光曝光的定义，如果予以科学的解释的话，即是：光线的强度乘以光线所作用的时间。定义中的“光线的强度”，是指CCD受光线照射的强度，即照度（以I代表照度，单位是勒克司）。定义中的“光线所作用的时间”，是指感光片受爱线照射的时间，即曝光时间（以T代表曝光时间，单位是秒）。曝光量的计算单位是勒克司·秒。以E代表曝光量，即可得到曝光公式如下：E（曝光量）＝I（照度）×T（曝光时间）依据这一公式，若要取得一定量的曝光量，则光强度愈大，曝光时间愈短；光强度愈小，曝光时间愈长。如果光的强度增加一倍，曝光时间就需减少一半，假如光强度为2，时间为4，曝光量则为8；如果光强度为4，时间为2，曝光量仍为8。等量曝光我们清楚地了解这样一个浅显的道理：开戾得较大的光圈要比收缩得较小的光圈能让较多的光线通过镜头到达胶片上，较低的快门速度要比较高的快门速度能让光线较长时间地停留在CCD上。由此可以演变为以下情况：光圈f/1.8与快门速度1/500秒相组合，和光圈f/4与快门速度1/100秒相组合，所获得的曝光效果是一样的。它们又和中级光圈f/8与中等快门速度1/25秒相组合所获得的曝光效果是一致的。这就叫作"等量曝光"。上述三组曝光组合的曝光量是相等的，体现在底片上的密度是一致的，体现在CCD上的影调层次、色调还原与再现是一致的。但是它们三者之间在画面效果上存在着两个重要差别：一是由于光圈的大小形成了不同的景深；二是由于快门速度的高低构成动体影像的不同清晰程度。由等量曝光的原理使我们知道，不同曝光组合的等量曝光，可以获得底片密度相同的曝光效果。然而，以摄影实践中，应该根据拍摄题材和被摄对象的不同，在可以产生相同密度的若干曝光组合中，选择最佳的一组曝光组合，来表现所拍摄的主题。这就是选择曝光的概念。那些富有经验的摄影家，从摄影的理论和实践经验中得知，尽管每组快门和光圈均能产生等量的曝光效果，而画面中景深与动体清晰程度却大不相同。具体采用哪一种曝光组合，必须认真考虑。是用较小的光圈去获取较深远的景物清晰范围呢？还是用较高的快门速度去抓取被摄动体的“凝固影像”？或是用极短的景深使背景虚化以突出主体？还是以较慢的快门速度增强动体的动感？等等。这一切都需要摄影者动脑筋来思考并加以选择，这决不是那些“自动相机”所能解决的，因为“自动相机”并无思维能力。具有形象思维能力的人可以得心应手地操作照相机去完成自己的构思，这或许就是相机的“自动曝光”与人的主动“选择曝光”的区别所在。什么叫准确曝光。正确曝光的含义简单说来应该是：在适当的时间里让CCD受到适当的光量照射。说到曝光不得不先说说亚当斯的区域曝光。风光摄影的泰斗美国摄影家A.Adams对摄影界最大的贡献之一就是创立了“区域曝光”的概念。不说了其实我自己也没有全部理解，里面的理论足可以写一本书了。但现在我的拍摄都是建立在这部分的理解上。我们为什么可以看到多变的图像几何结构？学过素描的朋友会很容易理解。图片无非是从白亮的高光到色彩饱和的中灰到全黑的暗部的连续的过渡。这种过渡让我们分辨出物体的轮廓。最传统的拍摄手法在数码领域依然是最有效的。当你看到一个画面你想要表现什么，也就说你想要它体现最饱和的色彩和最丰富的细节，就对准它点测，然后按照测试值曝光，出来的片子一般就不会让你失望。当然你如果希望其他部分也体现出一点细节，你就必须使用反光板、吸光板来使这些地方控制到你的CCD的宽容度的范围内，或者变换角度和等待光线的变化来减小光比。反之也一样，你如果希望某部位出现纯黑、纯白，那就让这些部位偏离曝光值5档以上，就可以看到你想看到的东西。明白点测和手动对一台相机的重要了吧。当然实际的拍摄没有这么简单。特别使纪实类的片子。你要限制光线，同时光线也在限制你，除非室内静物，完美的光线可遇不可求。但机会往往稍纵即逝。这时，经验变得很关键。包围曝光是一个有效的手段。但不是万能，至少包围测光不能改变客观光比。布勒松语“你得不停的改变角度”角度的改变不单单是为了改变构图，往往更多的是在改善光线对你的限制。可以利用的东西太多，比如水面的反光，白色的墙壁等等包括许多不可预见的情况，比如薄云可以使阳光变柔。数码摄影入门之三黄金分割构图一词是英语COMPOSITION的译音，为造型艺术的术语。在《辞海》中，谈到“构图”为艺术家为了表现作品的主题思想和美感效果，在一定的空间，安排和处理人、物的关系和位置，把个别或局部的形象组成艺术的整体。在中国传统绘画中称为“章法”或“布局”。首先说构图里的分布和造型，这里不得不提到2个名词：九宫格和趣味中心说九宫格前先说著名的黄金分割自从古希腊人发现黄金分割以来这种比例就被认为是美学的最佳比例而得到广泛的应用。其实黄金分割是造型艺术中的一种分割法则。亦称黄金分割率，简称黄金率。它的分割方法为,将某直线段分为两部分,使一部分的平方等于另一部分与全体之积，或使一部分对全体之比等于另一部分对这一部分之比。即：在直线段AB上以点C分割,使(AC)2＝CB×AB,或使AC∶AB＝CB∶AC。实践证明,它的比值约为1.618∶1或1∶0.618，被称为黄金比。黄金比最早是由古代希腊人发现的，直到19世纪被欧洲人认为是最美、最谐调的比例。黄金比广泛用于造型艺术中，具有美学价值，尤其在工艺美术和工业设计的长和宽的比例(如书籍开本)设计中容易引起美感，故称为黄金分割。20世纪中，法国建筑师Le科布西埃发现黄金比具有数列的性质。他将其与人体尺寸相结合，提出黄金基准尺方案，并视之为现代建筑美的尺度。法国还产生了冠名为黄金分割画派的立体主义画家集团，专注于形体的比例。在实际运用中，黄金比多只采用近似值。最简单的方法是按照数列2、3、5、8、13、21……得出2:3、3∶5、5∶8、8∶13、13∶21等比值作为近似值。这种分割方法亦用于优选法。再说说九宫格，九宫格的源头可是我们中国人发明的一种构图模式，但巧的是它与黄金分割有着惊人的理论联系！大家们把画面的上下左右用黄金分割来做出4条线，我们惊奇的发现这就是我国古人所说的九宫格！人们发现在九宫格的4条线交汇的4个点是人们的视觉最敏感的地方，在国外的摄影理论里把这4个点称为“趣味中心”。顾名思义，被反复证明的是当被摄主体处于或发布在这4个点附近最容易得到“眼球”:)数码摄影入门之四对称平衡呼应在中国传统绘画中把构图结构称为“章法”或“布局”，“展纸作画章法第一”。位置经营如同围棋，下子格格皆可落，切勿乱迷。素纸也可处下落墨，切记不可胡乱抒笔。棋有棋路，画有画理，一笔走失如棋败局。古人将章法（构图）比作下棋，摄影变如此，也要有一定的章法与布局，置阵布势。黑格尔在《美学》中说过，“艺术家不应该先把雕刻作品完全雕好，然后再考虑把它摆在什么地方，而是在构思时就要联系到一定的外在世界和它的空间形式及地方部位”。1、水平位置，这样拍摄出来的影像不会歪斜，你可以以建筑物、电线杆等与地面平行或垂直的物体为参照物，尽量让画面在观景器内保持平衡。2、色彩平衡性良好，画面要有较强的层次感，确保主体能够从全部背景中突显出来。如补色平衡（下图），所谓红花绿叶配就是这个道理。同色平衡，穿黑色衣服的人一般不安排在深色背景下拍摄。3、前景有均衡画面的作用。有时我们在画面上发现空缺不均衡的时候，比如天空无云显得单调时，用下垂的枝叶置于上方，弥补画面不足之处；有时画面下方压不住，上重下轻的时候，可用山石、栏杆做前景，色调深使画面压住阵脚，达到稳定、均衡的作用。前景运用虚焦点的表现手法，给人们一种朦胧美的感觉。4、空白。它是沟通画面上各对象之间的联系，组织它们之间相互关系的纽带。空白在画面上的作用，如同标点符号在文章中的作用一样，能帮助作者表达感情色彩。画面上留有一定的空白是突出主体的需要。要使具有视觉的冲击力，就要在它的周围留有一定的空白。这可以说是造型艺术的一种规律。人们对物体的欣赏是需要空间的。精美的艺术品，如果将它置于一堆杂乱的物体中很难欣赏到它的美，只有在它周围留有一定的空间，它才会放出它的艺术光芒。一幅画面如被实体塞满，就会给人压抑的感觉，画面上空白留得恰当，才会使人的视觉有回旋的余地。“画留三分空，生气随之发。”就是这个道理。现实生活中，一切稳定的物体都有均衡的形式：桌子四条腿是稳固的；盖房子如下面小上面大，就给人一种不稳固的感觉；挑担子一头重一头轻，使人走路不便；劳动中人们的姿态显然是求得身体均衡以合乎这一劳动特点的姿态……。许许多多的生活现象培养了人们要求均衡的心理，并且在人们的审美过程中起作用。画面在一般情况下应该是均衡，安定的，使人感到稳定，和谐，完整。利用人们要求均衡的心理因素，可以从几个方面来强调画面的表现力：a、对称式构图，对称一直是我们民族强调的东西，历来的皇宫。都城都是对称布局的。它强调一种庄重、肃穆的气氛，“四平八稳”的对称均衡中显示出一种古朴的庄重的关系。b、虚实呼应式布局，就像江南园林。在一些强调幽雅、恬静、柔媚的抒情性风光画面中，要求的是变化中的均衡画面上可以有疏有密，有虚有实，但整体要求是均衡的。一幅田园风光里比如左下角有一头耕牛，右上角的天空里最好应该有一片云。对比和反差也是常用的平衡手法，记得有一幅名作是一只白胖的白人的手握着一个非洲饥民小孩的手（在网上我找不到这副pp，只能让大家想象了）震撼着每个人的心灵。大小对比的效果，为了充分表现pp的内容，使观众对主体形象有鲜明印象，往往需要采用大与小，长与短等对比手法来加以表现。数码摄影入门之五线条与三角人们在构图中还经常采用一种“定向线簇”，它常常能收到“光芒四射”的效果。在大多数情形下，它把观众的视线引向主体，其完整的效果形成了一种从主体沿着直线向外放射的气氛。这是一种达到形象化效果的简易方法。摄影构图的另一基本技巧，是运用能将观众带入画面的“内引线条”。虽然内引线条有许多复杂的形式，但最易于识别和最易于获得成功的是C形、S形及富于透视感的斜线。“C形线条也是一种有效的内引线条，但拍摄时须注意透视线条不得从任何一个底角弓I入。一般而论，内引线条不得从任何一角开始，而要从底边中心略偏一处的某测开始。”至于S形线条，也有人称之为“形体线条”。这是霍加思最先作为一种优美的构图线条提出的。因为它来自妇女的优美身段：一种稍稍拉长的“S”形。作为——种常用的构图线条，它确实能给人以深刻的印象。S形线条的魅力,在利用线条进行构图时，有一点须引起注意，即画面中的直线，特别是和边框平行的直线，不能毫不间断地从画面的一边伸向另一边。否则，很容易出现下列的情形：原来的意图是只想拍一张照片，而结果却好像是两张互不相关的底片印到了一张相纸上。这个问题在拍摄自然景物时，例如在地平线居中，天空和地面各占一半画面的情况下最容易发生。如仍纠正这种毛病?在美国摄影家B·克莱门茨和D.罗森、菲尔德合著的《摄影构图学》一书中指出，只要使“这种直线的延续性中断，而且使某一部分画面的图形伸进另一部分画面，照片的整体感就会牢固地建立起来”。对角线的构图是一种导向性很强的画面，使用这种构图往往是作者希望把读者的目光明显的导向某事物，或表现线条本身的魅力，因为大家都知道矩形画面里最长的线条就是对角线。还有一个常用情况就是当2个趣味中心不明显但需要产生某种联系的时候，作者也需要一种形式来关联他们。看图，是体现桥梁宏伟的名片，闪光的桥梁主体横跨2个角似乎要跨出画面的外面。前文里提到的留空白，常见的留空白往往是一个几何体，而几何体里最简单，最善于表达情感的非3角形莫属，正3角形往往表达一种稳定的情绪，多用在建筑，成年男子，成功人士等场合。这里如果有年纪大一点的人可能还记得当年的课本里有一幅描写大庆劳模王进喜的图片就是使用里正三角的构图，表现主体的刚毅和力量。非稳定的三角构图，可以活泼画面，多用在多变的女人身上，下图就是一个范例。当然也有用这种构图来渲染一种不稳定的、烦躁的情绪，但我没有找到合适的图片示范。谁都知道，作曲家和钢琴几乎是二而一、一而二的关系。把主人公安排在琴房这个环境，应该说是再合适不过的了。关键是人物在画面上占据的面积大小问题。纽曼的这种处理包含了某种艺术的辩证关系在内。我们知道，有的物象在画面上占据面积大，可能是画面主体，也可能不是主体，有的虽然看来显得小，倒可能是主体，这就看作者如何处理作品题材内涵和动工构成因素了。一般说来，有生命的、起主导作用的、运动着的、富有变化的，总是更重要、更突出些，相反的情况总是显得重要性不如前者。而在艺术表现上，形体虽大，如果只是属于陪衬物体，又能起着引导视线、突出主体的作用，那么，大的看似为大，实际在观赏者心目中显得小，而小的表面看似小，实际上在观赏者心目中觉得很大。纽曼正是这样理解和处理这幅作品的人和物的关系的。作者为什么只取钢琴的上部而不取下部，人物置于一角而不居中？"我们认为，这出于以下考虑，一是琴面、琴盖、支柱有概括意义，已足以交待主人公的职业和身份；另一方面，从艺术上考虑，为了运用形式美的规律构成画面，人物、琴盖、支柱和琴面构成的三角构图，能够吸引人的视线，引导人们的视觉运动，形成以人物为中心，由人至支柱再到琴盖，两个三角形构图关系，这样既突出了主体，又为读者广泛联系和回味提供时空条件。这是符合观众的欣赏心理的巧妙的艺术处理。"数码摄影入门之六名家名言有些人或许对构图有天赋。不过，根据美国摄影家维利·奎克的看法，几乎所有的人都能够通过应用一些基本法则，达到具有相当水平的摄影构图能力。为此，他提出了一些简单的方法。他认为，依据这些方法，任何人都能在短时间内学会拍出较好的照片。维利·奎克指出，摄影者最易犯的错误是拍摄点取得过高，与被摄体离得太远，致使画面出现各种各样与拍摄目的毫无关系的东西。他说：“请记住，画家是把东西画进画面，而摄影者则是从画面去掉一些东西。”他说：“一张照片应该只有一个趣味中心，画面上不能有无用的东西。如果你对某个物体是否有助于画面抱有怀疑，你就应尽可能地把它放弃掉。”这里就是人们常说的摄影是“减法的艺术”奎克认为：“这并不是说，趣味中心非得准确地置于交叉点上不可。正因为如此，实际上趣味中心常出现在交叉点附近。”奎克指出：“每一幅照片都应保持一定的平衡。这就是说，对主要被摄体的安排，不能使画、面出现向分量大的一边倾倒。但平衡并不意味着将两个同样大小和同等形状的东西置于对称的位置。这里的关系，只要你看一下在玩跷跷板的孩子就知道了。跷跷板两边的孩子，小些的一个必定坐在离中央远些的地方，而大的孩子肯定坐在靠近中央的地方。”奎克认为：“把突出的线条安排，指向趣味中心，是拍摄一幅悦目照片的另一个要素。这些线条被称为主导线，有效地利用主导线，可以创造出惊人的照片。把主导线安排成对角线，会产生有力的动感。“线条常常在照片中提供一个边框。这可以通过选择视点来进行，例如在树下通过树枝框住画面上的被摄主体。此时通常使用小光圈，以使整幅照片清晰。这样做，也有可能使边框过于突出，但安排适当，会得到好照片。“在一幅照片中，地平线的位置会给人以强烈的印象。拍摄时，地平线要尽量避免处在照片的等比线上，因为这样做会把照片均分为两半，给人以呆板的感觉。地平线处在画面下方，会给人以宁静的感觉，而处于上方，给人的感觉则是活泼、有力的。“此外，横幅画面可以产生安宁、平静的感觉，而竖直画面则会产生动态效果。”奎克认为，以上方法如果运用得好，你的照片将会出现明显的改观，而且随着时间的推移，你很快就会学会鉴赏构图，从而为你增添摄影的乐趣。达柯认为，有时“如果线条与视觉产生了共鸣，一簇线条本身就能成为一个主体”。美国摄影家L．小雅各希斯认为：“构图是从摄影者的心灵的眼睛做起的。构图的过程也被称为‘预见’，就是在未拍摄某一物体之前或正在拍摄的时候，就能在脑海中形成一个图像或印象。通过经常析自己和别人的作品的构图，就会使自己的这种预见本领更加娴熟，变成一种本能。”这就是我常说的用脑子拍照。奥地利摄影家伊涅斯特·哈斯对此也有同感，对于构图，他己达到手中无剑，剑在心中的境界，他认为、“构图在于平衡，每个人对平衡的处理都各有不同。”正如同武功达到最高境界时，已没有招式名称，只凭自己的功力去化解。他认为：“你越能忘记你的器材，就越能集中你的题材和构图，这时相机只是你眼睛的延续，再没有其他意义。”小雅各布斯还认为：“构图的最基本的因素是线条、形式、质感以及这些因素之间的空间。当然色彩同样也是不可忽略的因素。会聚的线条一般能说明透视关系，但并不是所有的照片都非要表现出透视的深度不可。许多杰出的作品都是平面图案。在取景器中的某个景物或人物的肖像，都是根据摄影者个人的感受进行安排的。就是所谓摄影里所有的控制是服务于你想表达的情绪。“在大多数情况下，每幅照片中都有一个或一组形状或形式起主导作用，而照片中的色彩、体积、位置和其他形状等，都是为主导因素服务的。……构图中的对比，是指大与小、明与暗、近与远、主动与被动、平滑与粗糙、色彩的浓艳与轻淡等等的对比。要多利用这些相互对立的因素，通过它门使主体影响整个构图。例如，恰当地利用对比法则，照片就会具有强大的魅力。”摄影家瓦尔特·德·格鲁伊特对摄影构图作阐述。他认为：“每一种构图都是以排列次序为基础的，就像我们从哥士达心理学和信息学原理中所了解到的那样，构图可以用多种方法获得。它产生于相似事物的组合以及对相反事物的强调。排列次序并不是千篇一律的，形态和色彩的疏密和对比也会产生排列次序。排列次序是以一种美学上的均衡为基础的，而均衡则从复杂、矛盾和动态之中造就和谐。”他说：“任何人，只要懂得把照片分成单个的构图成分，借以得出它在美学上的一致性和合理性来审查照片的具体效果，就都会成功地创作出好的作品。""要获得令人满意的照片构图，须经常分析照片。”数码摄影入门之七用光的艺术说白了，玩摄影就是在玩光线。就如同素描，光线的表现力就是一幅好pp的“魂”下面先讨论几个概念：任何一种光线都存在着三个要素，即强度、方向和色调。光的强度强度描述的是光线的强弱程度，各种光源所发出的光线都有一定的强度。强而直接的光会造成明显的阴影，并且清楚呈现出物体的轮廓，所以常用来勾勒物体轮廓；强光也可增加被拍摄主体的明暗、色彩对比。弱而散的光可以减弱被拍摄主体的明暗对比，使物体表面看来平滑细致。对于摄像的照明，在影室内，强光源常常要作为主光来使用，是拍摄照明的主要来源。而弱光源要作为辅助光来使用，它可以减弱主光所造成的强烈阴影，同时不至于投射出多余的影子。但是光线过强，往往收不到很好的效果，因为强光下形成的阴影会过于夸张，光影效果不自然。拍摄时，如果光线过强，可以通过加装漫射屏或反射板等方法，来削弱光线的强度。和强光相比，散光的光影效果较为柔和自然。可以使主体受光面均匀，反差适中，受光源的方向性局限小。另外还有一种光线就是所谓“漫射光”阴天里的那种没有明显方向性的光线就是所谓漫射光。漫射光不像前面提到的那2种光源，它几乎是没有阴影的，著名摄影家布列松就是驾驭漫射光的高手。数码摄影入门之八光照度强弱光照度，即通常所说得勒克司度（lux），表示被摄主体表面单位面积上受到的光通量。1勒克司相当于1流明/平方米，即被摄主体每平方米的面积上，受距离一米、发光强度为1烛光的光源，垂直照射的光通量。光照度是衡量拍摄环境的一个重要指标。夏天中午阳光最强的时候，室外光照度可达到100000lux以上，很容易形成明显的阴影，这并不一定是一个很理想的拍摄环境。而大多数室内照度都在300lux以下。照度不但同光源的发光强度有关，而且和光源到被摄主体的距离也有关。一般情况下，当被摄主体到光源的距离不变时，被摄主体的照度与光源的发光强度成正比；相反，当光源的发光强度不变，但与被摄主体距离发生变化时，被摄体上的照度大致与距离的平方成反比。使用闪灯时的光圈变化就是根据这个原则来的。还有一个法则就是：当一个光源照射于前后两个主体上时，光源越近，那么这两个主体获得的照度差异越大；光源越远，这两个主体接受到的照度越接近。这样的变化在上期的“构图”里得到了运用不同的反差，会造成非常强烈的视觉冲击。说到这里我希望大家不要和上期说的概念做混淆，上期说的是光的方向性，照度是指强度。2者有相当的联系，但，是不同的。强光更加容易得到方向性，可是如果假如满屋这个方向都是5wlux的强光拍出来的pp也是没有方向的用光。又比如在微距的环闪下所有的影子都被“消灭”此时又何来的方向？相反，窗边的肖像，不要看室内的照度相当弱，但是方向性极强，常常用于刻画成年人的稳重和矜持等。所有的光都具有方向性，这个概念容易理解。根据光源与被摄主体和摄像机水平方向的相对位置，可以将光线分为顺光、逆光、侧光三种基本的类型；而根据三者纵向的相对位置，又可分为顶光、俯射光、平射光及仰射光四种光线……数码摄影入门之九光的方向现在就光的方向做具体的分类。所有的光都具有方向性，这个概念容易理解。根据光源与被摄主体和摄像机水平方向的相对位置，可以将光线分为顺光、逆光、侧光三种基本的类型；而根据三者纵向的相对位置，又可分为顶光、俯射光、平射光及仰射光四种光线。1、顺光相机与光源在同一方向上，正对着被摄主体，使其朝向镜头的面容易得到足够的光线，可以使拍摄物体更加清晰。根据光线的角度不同，顺光又可分为正顺光和侧顺光两种。正顺光就是顺着镜头的方向直接照射到被摄主体上的光线。如果光源与相机处在相同的高度，那么，面向摄像机镜头的部分全部能接受到光线，使其没有一点阴影。使用这样的光线拍摄出来的影像，主体对比度会降低，像平面图一样缺乏立体感。在这样的光线下拍摄，其效果往往并不理想，会使被摄主体失去原有的明暗层次。这里就不给图了，绝大多数的机载闪灯照明下的照片就是这种光线。而侧顺光就是光线从相机的左边或右边侧面射向被摄主体。在进行拍摄时，侧顺光是使用单光源摄像较理想的光线。多数情况下一般用25°～45°侧顺光来进行照明，即相机与被摄主体之间的连线，和光源与被摄主体之间的连线形成的夹角为25°～45°。此时面对相机的被摄主体部分受光，出现了部分投影。这样能更好地表现出人物的面部表情和皮肤质感。既保证了被摄主体的亮度，又可以使其明暗对比得当，有了立体感。台湾影楼那种很“靓”的照片大多是这种光线。2、侧光侧光的光源是在相机与被摄主体形成的直线的侧面，从侧方照射向到被摄主体上的光线。此时被摄主体正面一半受光线的照射，影子修长，投影明显，立体感很强，对建筑物的雄伟高大很有表现力。但由于明暗对比强烈，不适合表现主体细腻质感的一面。不过许多情况下这种测光可以很好的表现粗糙表面的质感。3、顶光、俯射光、仰射光顶光通常是要描出人或物上半部的轮廓，和背景隔离开来。但光线从上方照射在主体的顶部，会使景物平面化，缺乏层次，色彩还效果也差，这种光线很少运用。尤其是在那些“到此一游”的人像片里，正午的照射光线往往会使人物的鼻子下方和眼袋下面出现极重的阴影，非常难看，所以需要表面这种情况的出现。当然特殊情况下顶光运用的好也有成功的范例。俯射光是这三种光当中使用最多的一种。一般的照明在处理主光时，通常是把光源安排在稍微高于主体、和地面成30°～45°角的位置。这样的光线，不但可以使主体正面得到足够的光照，也有了立体感，而形成的阴影也不会过于明显。不过这种光线很少单独使用，大多是在影棚里与其他辅助光混合使用，如与侧顺光位配合等，会产生很好的效果。还是不给图，大家把自己的婚纱拿出来里面就有不少是广泛使用的，我的图片就不贴了，避免麻烦。仰射光又叫底光、脚光，也是一种不多见的打光法。将光源置于主体之下向上照射，会制造一种阴森恐怖的效果。一般电影中使用较多，为了刻画反面人物的阴险可憎，往往会使用很硬的底光。这就不给图了，想要看效果的朋友可以在晚上面对镜子用手电从自己的下巴向上照看看效果。不要用这种方法来吓mm哟！不道德的。摄影中的逆光我个人认为是最俱表现力的一种光线，但使用上最复杂，难度也最高。